BLOG ESPAÑOL IV
"El Siglo de Pericles"
- Bibiana Cantu A01193860-
-Paula Ortiz-A01194024-
-Isabella Gaxiola-A01195407-

ÉPOCA CLÁSICA GRIEGA

Con este blog entenderás mejor la época de la Grecia Clásica.

Para comenzar...

El siglo de Pericles sucede en el siglo V aC. en Atenas, en donde surgieron y se desarrollaron la literatura, las olimpiadas, el arte, la arquitectura, el teatro, la filosofía, la ciencia y la oratoria. En este siglo se hizo realidad la democracia ateniense que se basó en los principios de la soberanía popular, libertad e igualdad. El esplendor de Atenas surgió gracias al gran estadista, Pericles: un hombre de bien, comprometido con los asuntos de su patria.  En su tiempo sobresalieron grandes filósofos, artistas y sabios, todos tenían derechos y se cumplían bajo el mandato de Pericles. Por todo esto, es justo llamar este período esplendoroso de Atenas como "el siglo de Pericles", en homenaje al hombre que la gobernó alrededor de  30 años.

"Las Luchas Pancráceas"

Crítico de Arte

En este escrito se va a hacer un estudio crítico del arte a la escultura “Las Luchas Olímpicas” con el objetivo de formar una opinión válida y fundamentada sobre esta obra de arte. Se pueden aprecian las figuras de dos hombres desnudos, uno sobre el otro, sometiéndolo. Se ve que están luchando, y que el que está arriba es más fuerte y le gana al otro, porque logra controlarlo con tan sólo una mano. Desde lo que se puede ver en las fotos, parece que está esculpida en una pieza de alguna piedra clara, probablemente de mármol. Hay numerosos detalles, sobre todo en los rostros, el pelo de ambos y en los músculos. Se notan las venas y la tensión en las piernas y brazos por el esfuerzo que están haciendo al luchar. Las líneas y proporciones son muy agradables, pues las primeras son sutiles y ambas son realistas. Esta escultura, tomándose como un solo elemento, es armónica y, aunque complicada, sencilla de entender a simple vista. Es clara, es transmisora de sentimientos de superioridad y combate, y es proporcional entre sus elementos. La atmósfera que rodea esta escultura es de lucha, de rivalidad; ambos quieren demostrar que son mejores y es claro que el que está arriba es físicamente superior a su contrincante. Por otro lado, la tensión en sus cuerpos se transmite a los observadores y se siente el esfuerzo que ambos hacen. Esta obra sigue la teoría del Imitacionalismo porque literalmente representa a dos hombres luchando exactamente como lo hacían en esa época, y en la nuestra también. La única diferencia puede ser que no luchaban sin ropa, y en la escultura sí están representados desnudos. Después de analizar todos sus elementos, podemos emitir el juicio afirmando que esta escultura sí es una obra de arte porque sus formas, sus elementos y su razón de ser son entendibles, apreciables y agradables. Realmente es muy difícil lograr ese balance en las proporciones de las formas, y los detalles del pelo y sobre todo los músculos, son muy difíciles de lograr pero nuestro escultor griego lo logra a la perfección transmitiendo la fuerza de ambos hombres.

Historiador del Arte

“Las Luchas Olímpicas” es una escultura reconocida, creada en la época de la Grecia Clásica. El artista de ésta es anónimo, pues en ese tiempo los artistas eran muchos y no está documentado quién la esculpió. Esta escultura fue hecha entre los años 776 a.C. y 393 d.C., en la Antigua Grecia porque en este tiempo se celebraban los juegos griegos en la ciudad de Olimpia, y una de sus disciplinas es el tema principal de esta escultura. El material que compone esta obra es probablemente mármol, que es una piedra compactada a partir de rocas calizas que alcanzan un grado de cristalización. Esta piedra también se usó para hacer las columnas de los templos en la Antigua Grecia, pues su función es la construcción, decoración y la escultura. En esta escultura se asume que los juegos olímpicos son una gran tradición de los griegos hacia el resto del mundo. En la Antigua Grecia, las olimpiadas eran realizadas mediante una sola competencia, una carrera de aproximadamente 190m en las inmediaciones de la ciudad. Pero con el paso del tiempo, los antiguos griegos decidieron impartir más disciplinas. Actualmente, las olimpiadas se celebran de manera mundial, y participan más de un centenar de representantes de todos los países en diferentes disciplinas.

Análisis de "Edipo Rey"

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La obra de "Edipo Rey" fue escrita por Sófocles. Está situada en el siglo de Pericles, una época en la que daban lecciones a los habitantes de Grecia por medio de obras de teatro para que se comportaran correctamente y que conocieran las consecuencias de los actos que iban en contra de lo moral y del orden establecido. En esta tragedia se habla mucho sobre el destino, y sobre el hecho de que éste no se puede cambiar por más de que uno quiera. La razón de esto es porque el destino ya está escrito por los dioses y nunca se debe desafiar o desobedecer a los dioses, porque de hacerlo hay castigos muy fuertes que pueden permanecen por generaciones.

La obra de "Edipo Rey" está escrita en forma de diálogo. Ésta sucede en Tebas, una cuidad que esta siendo atormentada por una grande peste impuesta por los dioses, como castigo por el asesinato no vengado de Layo, el antiguo gobernante. El modelo de hombre que se logra observar dentro de la historia es un hombre como Edipo; con pelo en la cara y el cuerpo, poderoso, deportista, valiente, fuerte, y con voz y voto dentro de la polis. Por otro lado vemos el rol de la mujer que se representa en Yocasta, una mujer íntegra, con valores, fuerte y prudente ante las situaciones que no eran de su agrado, que cae en la desgracia al desposar a su hijo Edipo.

Edipo se caracteriza por ser muy terco y persistente, no sabe escuchar las opiniones de los demás, toma decisiones impulsivamente y es un poco soberbio. En en esta obra dramática, Edipo está en búsqueda de su pasado y sin darse cuenta hace que se cumpla la profecía sobre su padre Layo. En el libro se cree que la vida de los hombres ya está escrita por los dioses y no hay nada que puedan hacer para cambiar su destino, y el que trate de hacer algo y desafíe a los dioses será castigado con una maldición tan dura como la de Layo. Los dioses son muy poderosos, son los que rigen Grecia, y ellos dicen que se hará y se debe de cumplir lo que ellos ordenen.

El espacio en que esta obra se desarrolla es la Antigua Grecia, alrededor del siglo V y VI a.C. El coro muestra un papel muy grande en esta obra porque, de parte del pueblo, le ruegan a los dioses que los ayuden en sus miserias, problemas y entre estos, que los ayuden a acabar con la plaga que hay en Tebas. El coro piensa que los dioses son leales, que siempre cumplen lo que prometen y que se les debe tener miedo y respeto.

El coro se divide en cuatro roles diferentes:

          -Narrador: anuncia lo que va a suceder a través del canto.

          -Demarcador: marca el inicio y final de los actos.

           -Mediadora: es conciliadora y pide a personajes y dioses que ayuden a   alguien.

          -Ritual: plegarias y ruegos a través de cánticos.

Cuando Layo fue desterrado al morir su padre, fue bienvenido por el rey Pelopé. Después de mostrar tanta amabilidad hacia él, Layo lo traiciona robando a su hijo, aprovechándose de él.  Por vergüenza y tristeza se suicida el hijo de Pelopé, y él exige a los dioses que castiguen y maldigan a Layo, es así como comienza la historia de Edipo. Cuando él nace sus padres lo mandan matar por miedo de la maldición, que decía que el primer hijo de Layo mataría a su padre y desposaría a su madre. Lo entregan a un sirviente para que lo mate, y éste lo cuelga de los pies con unos ganchos pero no puede matarlo porque no es correcto, así que se lo da a otro esclavo de otra ciudad y Edipo termina siendo adoptado por una familia de nobles. Pasan los años y Edipo crece y se vuelve un hombre. Todo iba bien hasta que conoce la verdad, que él es adoptado. Ansioso por respuestas, encuentra una profecía que dice que si regresa a casa, matará a su padre y se casará con su propia madre. Él, asustado y molesto, decide irse de su casa a Tebas. En el camino se encuentra con la temible esfinge que amenaza con matarlo si no resuelve su adivinanza, mas cuando éste logra adivinarla, la esfinge se suicida y lo deja pasar. Luego se encuentra un viajero engreído, rodeado por sirvientes que casi lo atropellan. Edipo, por coraje, los mata y solo llega a escaparse uno. Sin que Edipo lo supiera, se acababa de cumplir la primera parte de la profecía. Cuando llega a la Ciudad se presenta con la viuda del "Rey" Yocasta, y el hermano de Yocasta, Creonte le ofrece su mano en matrimonio por haber sido un héroe y salvarlos de la esfinge. Yocasta y Edipo se casan y tienen hijos, y así se cumple la segunda parte de la profecía. Él, por querer investigar sobre la muerte del difunto de su esposa, decide hablarle a un profeta llamado Tiresías. Los dioses detendrían la plaga de Tebas si la muerte de Layo era por fin vengada. Después de mucho insistir, el profeta revela a Edipo la verdad, diciendo que él es el culpable y éste, molesto, ignora las advertencias de Tiresias. Más tarde se da cuenta que sí es verdad lo que decía y al enterarse, Yocasta se suicida por el horror y la tristeza de ver la profecía cumplida. Edipo se saca los ojos con los broches del vestido de su esposa y madre. Vive infeliz el resto de sus días y es para el pueblo un como un ejemplo de no hacer enojar a los dioses.

Visita Cultural

"Lichen Pond"

                                                              “Lichen Pond”

                                                       Por Allyson Mellberg Taylor

Crítico de Arte

En esta ocasión, se va a hacer un estudio crítico del arte a la pintura “Lichen Pond”, de Allyson Mellberg Taylor, con el objetivo de formar una opinión válida y fundamentada sobre esta pintura. La obra “Lichen Pond” representa la imagen de una joven mujer, que se ve dulce y pura, y cuya mirada es distante y pérdida, produciendo una sensación de nostalgia. La mujer ve hacia el horizonte, con sus ojos verdes y rasgados. Tiene pequeñas manchas oscuras en su piel y grandes manchas negras en su ropa. La composición y conjunto de los elementos que Mellberg usa en su obra, pintada con acuarelas con colores fríos y complementarios, nos da una sensación visual un poco extraña. Nos parece anormal que la mujer tenga hojas o algas en la cabeza y que tenga formas desconocidas alrededor de la cara. La obra es compuesta por témpera tinta casera y acuarela sobre papel que en el específico estilo en que esta creada esta obra muestra y transmite paz. Para esta obra, vamos a aplicar la teoría del emocionalismo, porque al ver esta pintura, el observador entiende y siente de manera profunda esa nostalgia producida por la expresión de la mujer. Se puede reconocer que todos estos elementos en conjunto hacen una bella obra de arte por Allyson Mellberg.

Historiador de Arte

El propósito de este escrito es analizar el contexto histórico de la obra “Lichen Pond” por Allyson Mellberg Taylor y, sobretodo, hacerlo de una manera ordenada y bien fundamentada. Allyson es una artista estadounidense que, junto con su esposo, hicieron un blog que abarca muchos temas pero se puede resumir en comida y arte. Promueven la comida orgánica y dan tips sobre cómo tener un jardín orgánico para consumo personal. También incluyen en el blog algunas de sus pinturas u otro tipo de obras de arte, como esculturas o dibujos. Allyson y su esposo Jeremy, con quien empezó su blog, pintan con pigmentos orgánicos, es por eso que los colores de sus pinturas se ven como acuarelas, pues no tienen químicos que los hagan brillosos, densos u opacos. Esto también influye en la sensación provocada por la pintura, que es más fría o tierrosa, y en la técnica de la artista. Se puede suponer o esperar que por la consistencia de la pintura, o por otras razones, ella prefiera rellenar las figuras con puntos o formas no convencionales, dándole otro toque único a sus obras. Esto es un patrón que se repite mucho en sus pinturas. En muchas de ellas usa puntos pequeños, en otras usa manchas grandes, o formas anormales que representan la naturaleza. Por ejemplo, en un dibujo están dos niñas con las caras sin colorear, pero con puntitos pequeñitos; de la boca les salen dos tallos de plantas pequeñas que se entrelazan. Siendo Allyson vegetariana, ciudadana del siglo XXI, está influenciada por las tendencias actuales, como la tendencia “Hipster”. Así, ella se expresa de una manera diferente y original, usando materiales propios y creando su propio estilo que la caracteriza. Se puede concluir que la obra “Lichen Pond”, de Allyson Mellberg-Taylor, sí es una obra de arte porque contiene todos los elementos indispensables del arte y tiene un valor único por su originalidad y los sentimientos que logra expresar.

Segundo Parcial
Periodo Romano

Basílica Romana

En esta época, las basílicas e iglesias se construían en forma de cruz. No eran muy lujosas por fuera pero sí eran muy bonitas y detalladas por dentro. Se usaban mucho los arcos y los contrafuertes para ayudar a los muros laterales a soportar el peso de la edificación. Arriba del altar estaba un lugar circular llamado ábside reservado para la imagen de Cristo y de la Virgen María. Parte de la decoración interior incluía mosaicos, que para volverse más lujosos eran bañados en oro y para darles color se pulverizaban piedras preciosas. Se usaban mucho las cúpulas y los arcos, pues eran el fenómeno arquitectónico de moda en ese tiempo.

Cristo Pantocrátor

En el mosaico “Cristo Pantocrátor” se presenta un hombre, Jesucristo, vestido de dorado y cubierto por una túnica color azul. En una de las manos sujeta un libro que contiene la Palabra y en la otra hace un símbolo con los dedos. Detrás de su cabeza hay una cruz y está rodeado por una frase escrita en letras negras con fondo dorado. El color que predomina en el cuadro es el dorado, ya que se utiliza en el fondo y en el vestido que porta el hombre de la obra. Además, se utilizan líneas curvas para dar forma al cabello y barba y para marcar las ondas de la túnica. También se presentan líneas horizontales y verticales tanto en la cruz como en el libro. El mosaico transmite una perspectiva de importancia, ya que el tamaño de Jesucristo es mayor que el del resto de los elementos. La composición que se utiliza en la obra de arte es jerarquía, ya que la figura más importante está ubicada en el centro y tiene el mayor tamaño. Se percibe también que el libro y la cruz son los elementos más importantes en consecuencia. El cuadro evoca una sensación de admiración hacia Jesucristo. También produce el sentido de subordinación a los espectadores, ya que la figura principal de la obra transmite las ideas de sabiduría, poder y grandeza. El mosaico hace referencia a la fe y a la religión. Muestra a Jesucristo como un hombre y como una divinidad al mismo tiempo. Presenta la llegada de Cristo al mundo y la expansión de su Palabra. Además, manifiesta la aceptación de la creencia en un solo Dios. El cuadro tiene un significado importante y refleja el contexto histórico de su tiempo.

Referencias

"CRISTO PANTOCRATOR DE TAULL - Comentarios - OBRAS MAESTRAS." RSS. ArteContacto, 08 Feb. 2010. Web. 24 Feb. 2015.

Periodo Islámico

El Islam es la religión de los musulmanes, quienes creen en un solo Dios, en el Día del Juicio y en la rendición individual de cuentas por las acciones hechas en la vida. Para el Islam el mensaje de Dios fue reafirmado finalmente por el profeta Mahoma. Los seguidores del Islam dicen que es una religión de paz, generosidad y perdón. Los musulmanes rezan en un templo llamado mezquita, de la misma manera que los cristianos rezan en una iglesia. El libro sagrado de los musulmanes es El Corán, que es para ellos lo mismo que La Biblia es para los cristianos. El Corán contiene las palabras específicas que Dios reveló al profeta Mahoma.

"Islam" es una palabra árabe que significa sumisión a la voluntad de Dios. Los musulmanes hablan de "Los Cinco Pilares del Islam", que son las reglas (como los mandamientos de los cristianos) que deben seguir. Estos son la declaración de fe, rezar cinco veces al dia, el Zakat (limosna), ayunar en Ramadán y hacer una peregrinación a la Meca por lo menos una vez en la vida.

Tipos de decoración

Caligráfica: Usa texto del Corán como decoración para plasmar su religión y creencias, pues no estaba permitido representar a Dios con imágenes.

Ataurique: Este tipo de decoración también es llamado decoración vegetal, pues está diseñado con formas de plantas, flores o elementos de la naturaleza. Es muy común encontrarlo en mezquitas.

Lacería: Este tipo de decoración utiliza bandas rectas o angulosas que se entrelazan para formar figuras geométricas de una manera muy particular.

La Mezquita Musulmana

La religion del Islam nació a partir de las enseñanzas del profeta Mahoma, que proclamó que el único dios era Alá. Cuando esta religión se empezó a difundir, los musulmanes fueron perseguidos y exiliados de Meca, a esto se le llamo la "Hégira". Cuando finalmente en el año 630 regresan a Meca, Mahoma quita a los ídolos que eran adorados en la Kaaba (santuario que contiene la piedra negra sagrada) y cambió la fe por completo. La religión musulmana tiene muchas prohibiciones, siendo que las principales son la bebida, el juego y comer la carne de cerdo. No hay una organización tan estricta en el Islam cuando se compara con las iglesias católicas, pero están las Mezquitas que son templos sagrados donde los hombres son instruidos para explicar la doctrina por los mulahs. Las mezquitas mas famosas son las de Alcazar de Sevilla, Córdoba, y Alhambra de Granada. La arquitectura en sí de estas mezquitas tiene como  principales elementos la columna, el arco y la cúpula. También se usan los tipos de decoración islámico que son el ataurique, las lacerías y la caligrafía. Estos elementos juntos proporcionan el estilo característico que tienen las construcciones árabes de esta época y sobre todo las mezquitas.

Edad Media Temprana

Castillos Feudales y sus Caballeros y Vasallos

El castillo medieval es una de las expresiones arquitectónicas más representativas de la Edad Media, pues la vida giraba en torno a los señores feudales y sus mandatos.

Catedrales Verticales y los Vitrales

En este tiempo la iglesia era extremadamente importante en la sociedad. Las iglesias debían ser espacios cuidadosamente diseñados debido a las actividades que tomarían lugar ahí. La arquitectura de las iglesias en este período seguían el estilo románico y el  gótico. La iglesia tenía diversas funciones, por lo que este edificio debía permitir la realización de las actividades requeridas.  La iglesia se encargaba de la administración de justicia, llevaba todos los documentos de fechas de nacimiento, matrimonio y defunciones así como también de los permisos de la gente.

Las iglesias de la época medieval tenían un estilo muy especial en cuanto a la arquitectura, ya que los elementos que la construían tenían una combinación razonada y armónica (los arcos en el techo, los pilares, las ventanas decoradas muy específicamente etc…) y también tenían ornamentales de procedencia latina, oriental (bizantinos, sirios, persas y árabes) y septentrional (celtas, germánicos, normandos). Este tipo de arquitectura en iglesias y basílicas predominó en la Europa cristiana durante los primeros siglos de la Edad Media.

Cantos Gregorianos

Edad Media Alta

Iglesia y Monasterio

Virgen María

En esta ocasión se hará un análisis de los elementos artísticos de esta pintura. En la imagen se ve a una mujer cargando a un bebé, que nosotros sabemos son Jesús y María. En el fondo se identifican algunas letras griegas, y las caras de ambas personas están juntas, con sus cachetes tocándose, dando a entender que estas personas se quieren. También es evidente la personalidad protectora de María al estar cargando a su hijo, que es natural de cualquier mamá. Hay una desproporción muy grande al analizar el tamaño de la cabeza del bebé contra su cuerpo, ya que ésta es muy pequeña. Esto se puede tomar como una exageración del hecho de que la proporción máxima en el cuerpo humano se alcanza en la edad adulta, siendo que mientras una persona crece, puede crecer de manera dispareja hasta llegar a donde debe llegar que sería la edad adulta. El manto rojo de María y las prendas doradas de Jesús les dan prestigio, como si fueran vestiduras de los ricos. Aparte, las manos delgadas y frágiles de María dan la impresión de como si ella no fuera pobre y no tuviera que usar sus manos para preparar comida o recolectarla de los sembradíos. Hay dos círculos alrededor de las cabezas de estos dos personajes, son como dos halos de luz que significan un lugar o valor importante para Dios en el Reino de los Cielos. De esta manera se pueden identificar como los elegidos de Dios. Los contrastes de la luz y los detalles de las prendas y del fondo, junto con todos los otros elementos aquí mencionados hacen de ésta, una gran y muy bonita obra de arte.

Francesco Petrarca - Il Dolce Stil Novo
CLXXXVI

Si Virgilio y Homero hubiesen visto
aquel sol que yo veo con mis ojos,
todas sus fuerzas para darle fama
habrían puesto, mezclando los estilos.

Por lo cual estaría triste Eneas
con Aquiles, Ulises y otros héroes,
y el que al mundo rigió cincuenta y seis
años tan bien, y aquel que mató a Egisto.

La flor antigua de armas y virtudes
¡qué estrella tan igual tuvo con esta
nueva flor de recato y de belleza!

Ennio a aquella cantó con rudo canto,
a esta otra yo; ¡oh no le sea molesto

mi ingenio, y mi alabanza no desprecie!

Visita Cultural
"Fundación Ildefonso Vázquez"

"Madonna"- Silvio Vigliaturo

En esta ocasión, se va a hacer un estudio crítico del arte a la escultura “Madonna”, de Silvio Vigliaturo, con el objetivo de formar una opinión valida y fundamentada sobre esta escultura de vidrio. La obra “Madonna” representa a una mujer embarazada, que se ve divertida y atrevida, cuya mirada es clara y firme, produciendo una sensación de confusión. La mirada de la mujer es desconcertante pues tiene un solo ojo, y con él mira hacia arriba de, aunque de una manera muy tranquila y con calma. La composición y conjunto de elementos que Silvio Vigliaturo usa en su obra nos da una sensación visual un poco extraña pero al mismo tiempo es una obra de arte extrovertida y divertida. La mujer está hecha con puras líneas curvas y círculos que le dan la forma de un cuerpo humano. Parece extraño que la mujer este dividida en dos colores, una parte del cuerpo es blanca y la otra azul, y también que solo tenga un ojo y esté volteado completamente hacia su lado opuesto. La obra está compuesta por colores vivos; se utilizan principalmente los colores primarios. Todos los colores están acomodados de forma que proporciona importancia cada parte y elemento de la obra. Para esta escultura, se va a aplicar la teoría del emocionalismo, pues al observar esta escultura, se puede sentir de manera profunda esa confusión y extroversión producida por los rasgos y características de la mujer. Se puede reconocer que todos estos elementos en conjunto hacen una bella obra de arte por Silvio Vigliaturo.

El propósito de este escrito es analizar las características históricas de la obra “Madonna” de Silvio Vigliaturo. Este artista nació en 1949 Acri, Cosenza un pequeño pueblo italiano. Cuando era niño se mudó a Chieri y sigue viviendo ahí y creando más obras de arte. Él es un artesano que, por sus raíces, era probable que sus obras tuvieran un toque muy original, ya que nació en uno de los lugares más influyentes en el arte en la actualidad. Todas sus obras tienen su toque muy particular. Usa colores muy vivos con contrastes llamativos y figuras poco convencionales. Sus materiales preferidos son el vidrio y el metal y constituyen su área mas amplia de trabajo. Esta obra es del período moderno, pues las influencias que llevaron al artista a crearla son de la actualidad. Se puede inferir que el objetivo de Vigliaturo al esculpir la Madonna era expresar la libertad de una mujer, liberarla de los prejuicios que se tienen sobre las mujeres embarazadas que se convertirán en madres solteras, y representar su felicidad y personalidad. Esta escultura personifica a una mujer extrovertida, divertida, libre, original y feliz. Esta obra demuestra el desarrollo del artista y su estilo original y muy personal. Su técnica tan característica y desarrollada hace de la “Madonna” una excelente y valiosa obra de arte.

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